в рамках какого направления искусства художники создают произведения которые шокируют людей

Современное искусство. Концептуальное? Ироничное? Или просто мерзкое?

Внимание! Если вы принимаете пищу или занимаетесь какими-то иными приятными вещами, лучше отложите чтение этой статьи до их окончания.

Где заканчивается искусство и начинается что-то другое? Что вообще можно называть искусством? Вот, например, имигонго — картины из коровьего навоза — традиционный, наподобие нашей гжельской росписи, промысел в Руанде — это искусство?

Спорить бессмысленно, но ровно до тех пор, пока не появляются два фактора — слово «концептуальный» и ценник на произведении. Кстати, о руандийском промысле. Не он ли в свое время вдохновил итальянского концептуалиста Пьеро Мандзони на его знаменитые банки с экскрементами? В отличие от жителей Руанды, у которых особого выбора в материалах не было, Мандзони руководствовался другими соображениями.

Пьеро Мандзони

Весной 1961-го художник упаковал собственные фекалии в консервные банки, подписал каждую на нескольких языках, указав ее содержимое. И продал. Цена одной баночки составила сумму, эквивалентную стоимости куска золота того же веса (30 граммов).

Фекалии по цене золота — это концептуально. Художник утверждал, что смыслом этой акции было привлечение внимания к качеству произведений искусства, пользующихся спросом у покупателей.

Энди Уорхол

Энди Уорхол, прославившийся своими «банками с супом», портретами Мэрилин и Элвиса, тоже был человеком небрезгливым. Его серия «картины мочой» — еще один образец «концептуального искусства».

Процесс рисования выглядел так: художник заготавливал для каждого будущего шедевра холст со слоем металла, а затем просил помочиться на него своих приятелей. Под действием мочевины металл окислялся, на нем появлялись живописные цветные разводы. Хм… и что это было?

Андреас Серрано

Продолжает тему физиологических жидкостей и их использование в искусстве фото Андреса Серрано, на котором изображена пластиковая статуэтка распятого Христа.

Перед тем, как сделать снимок, автор утопил статуэтку в стакане с собственной мочой. По словам художника, фото должно продемонстрировать массовую монетизацию христианства его клириками и, как следствие, его удешевление.

Крис Офили

Современный чернокожий художник Крис Офили использовал для создания своих коллажей слоновий навоз. Автор утверждал, что делает это чтобы подчеркнуть близость его творений к природе.

Лю Вей

Китайский поп-арт художник Liu Wei (Лю Вэй) заходит в своих творческих экспериментах весьма и весьма далеко. И глубоко. Художник создал двухметровую инсталляцию с весьма натуралистичным куском экскрементов. Инсталляция, созданная из смолы и нефтепродуктов, получила название «Расстройство желудка».

Густав Мецгер

В 2006 году в британской галерее появилась инсталляция Густава Мецгера, центром которой был пакет с мусором. Увы, уборщица не сумела понять ценность экспоната и выбросила пакет в мусорный бак.

Несмотря на то, что мешок из бака извлекли и вернули Мецгеру, художник был безутешен. Он заявил, что произведение безвозвратно погибло и тут же принялся создавать новый арт-пакет с отходами.

Марко Эваристти

Художник чилийского происхождения Марко Эваристти как-то пригласил друзей на ужин и продемонстрировал им свой новый художественный проект — блюдо фрикаделек. Чтобы их приготовить, автор был вынужден посетить мясной магазин и медицинский кабинет. Фрикадельки сделаны из говяжьего фарша, а для готовки Эваристти использовал собственный жир, перед тем подвергнув себя липосакции. Позднее «гастрономический изыск» был выставлен в галерее на обозрение широкой общественности.

Эваристти говорил, что работа предназначена для того, чтобы вызвать дискуссию о природе и масштабах современного потребления, а также о других резонансных явлениях. Другие работы автора более эстетичны — например, раскрашивание гренландского айсберга и замерзшего водопада.

Источник

Стили и направления в изобразительном искусстве

Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Ключевым признаком, по которому произведения можно группировать по стилям, являются единые принципы художественного мышления. Смена одних способов художественного мышления другими (чередование типов композиций, приемов пространственных построений, особенностей колорита) не случайна. Исторически изменчиво и наше восприятие искусства.
Выстраивая систему стилей в иерархическом порядке, будем придерживаться европоцентристской традиции. Наиболее крупным в истории искусства является понятие эпохи. Для каждой эпохи характерна определенная «картина мира», которая складывается из философских, религиозных, политических идей, научных представлений, психологических особенностей мировосприятия, этических и моральных норм, эстетических критериев жизни, по которой и отличают одну эпоху от другой. Таковы Первобытная эпоха, эпоха Древнего мира, Античность, Средние века, Возрождение, Новое время.
Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.
В одну и ту же историческую эпоху могут сосуществовать несколько стилей. Например, Классицизм, Академизм и Барокко в XVII столетии, Рококо и Неоклассицизм – в XVIII, Романтизм и Академизм – в XIX. Такие стили как, например, классицизм и барокко называют большими стилями, поскольку они распространяются на все виды искусства: архитектуру, живопись, декоративно-прикладное искусство, литературу, музыку.
Следует различать: художественные стили, направления, течения, школы и особенности индивидуальных стилей отдельных мастеров. В рамках одного стиля может существовать несколько художественных направлений. Художественное направление складывается как из типичных для данной эпохи признаков, так и из своеобразных способов художественного мышления. Стиль модерн, например, включает ряд направлений рубежа веков: и постимпрессионизм, и символизм, и фовизм и т.д. С другой стороны, понятие символизма, как художественного направления, хорошо разработано в литературе, в то время как в живописи оно очень размыто и объединяет художников, настолько разных стилистически, что часто трактуется лишь как объединяющее их мировоззрение.

Ниже будут приведены определения эпох, стилей и направлений, которые так или иначе отразились в современном изобразительном и декоративно-прикладном искусстве.

Источник

Концептуализм — искусство, в котором всегда идея важнее формы произведения: суть, особенности, история

Концептуализм (от латинского conceptus — «мысль, представление») — это постмодернистское направление в искусстве, которое провозглашает верховенство идеи произведения над формой его художественного выражения. Последователи концептуализма убеждены, что их картины, скульптуры, инсталляции и перформансы должны вызывать у зрителя не эмоции, а желание интеллектуально переосмыслить увиденное.

Концептуализм — это не коммерческое искусство, в нем объектами для творчества могут быть любые предметы обихода, природные материалы и даже части среды обитания человека. Художник-концептуалист не стремится создать готовое произведение, а пытается передать зрителю свои идеи, вовлечь его в некую интеллектуальную игру.

История концептуализма

Концептуализм сформировался в мировом искусстве на основе переосмысления идей авангардистских течений первой половины ХХ века — дадаизма и минимализма. Огромную роль в его зарождении сыграло творчество Марселя Дюшана (Marcel Duchamp). Гениальный художник еще в 1910-х начал использовать готовые вещи в виде провокационных произведений искусства, изобрел новаторскую технику «реди-мэйд».

В 60-е годы ХХ века в развитых западных странах начинают активно распространяться идеи необходимости дематериализации искусства. Их сторонники призывают художников отказаться от создания классических произведений (картин или скульптур). Истинное значение имеет лишь идея автора, которую можно донести до зрителя разными способами.

Название «Концептуальное искусство» (Conceptual Art) впервые применил американец Генри Флинт (Henry Flynt) в своей одноименной философской работе 1961 года. Но настоящим основоположником концептуализма принято считать Джозефа Кошута (Joseph Kosuth), который развил идеи Дюшана и призвал не ограничивать творца в средствах выражения своих замыслов.

В качестве демонстрации нового искусства Кошут в 1965 году предложил публике свою знаменитую инсталляцию «Один и три стула». Работа представляла собой сочетание трех предметов: обычного деревянного стула, его фото и описания из энциклопедической статьи.

Философия концептуализма, лишенная коммерческого подтекста, быстро нашла отклик в интеллектуальной среде. Новаторские идеи стремительно приобрели популярность не только в США, но и в странах Западной Европы. В январе 1970 года в Нью-Йорке прошла первая специализированная выставка работ концептуалистов.

В последующем десятилетии концептуализм достиг пика популярности в мировой культуре. Но и в дальнейшем интерес к этому направлению не пропал окончательно. В XXI веке концепт-искусство все так же востребовано публикой.

Основные особенности концептуализма

Концептуальные произведения искусства имеют характерные отличительные особенности. Такие работы можно определить по следующими признакам:

По мнению концептуалистов, художник вправе сам решать, что действительно является для него произведением искусства и не обращать внимание на мнение остальных людей.

Известные художники-концептуалисты

Имена известных художников-концептуалистов хорошо знакомы ценителям современного искусства. Отдельного упоминания в нашей статье заслуживают:

На портале Very Important Lot можно не только прочитать интересные статьи об искусстве, но и принять участие в арт-аукционах. Наш сайт также предоставляет всем желающим возможность купить картины и скульптуры в различных стилях напрямую у современных художников и скульпторов.

Источник

Почему у актуального искусства нет шанса на великое будущее

Мы живем в то время, когда положение искусства в мире само по себе является картиной современности. Ему отводится много внимания, оно по-прежнему занимает важное место в культурной иерархии, является серьезнейшим рынком сбыта. Но если обратить внимание на статистику, она непременно докажет кризисное положение современного (актуального) искусства и того, какую ничтожную роль возлагает реальность на художников будущего

Выше всего арт-объект оценивается в момент своего создания, дешевея с каждым годом на крупные проценты. Со старинными полотнами все с точностью до наоборот. Актуальное произведение искусства наступает на грабли собственного названия. Будто кто-то пытается окончательно вытеснить гений творческой мысли, лишить современного человека возможности создать шедевр на века. Любой мотивации очень быстро обрежут крылья, всеми силами стараясь убедить энтузиаста в том, что в мире высокой живописи ловить уже нечего. Мы по умолчанию убеждены, что это уже не нужно, невозможно, изжито, что лучше, чем было, уже не будет. В сложившейся ситуации передовой, «несогласный» художник поневоле становится конформистом, вынужденным соглашаться с определенными критериями, определяющими право арт-объекта считаться или не считаться элитарным, а вот классический художник активно выражает протест, продолжая традиции. Это цена за то, что современное искусство нарочито сняло с себя лик индивидуальности. Теперь ему приходится пользоваться той индивидуальностью, что диктуется общественными тенденциями.

Нас повсеместно убеждают, что современные ценности якобы изживают ценности академического ремесла, ведь мы живем в эпоху гедонизма, серости, сплошных упрощений. Все вокруг так ужасно, жестоко, этим миром правят безвкусица и деньги. Если ты выбрал профессию честного художника, готовься с молодости жить в нищете и страдать от унижений. Наше время эстетически бедное, тотальная оцифровка однажды лишит художников права на существование, а все злободневные проблемы настолько пережеваны в СМИ, что нет смысла лишний раз возвращать к ним внимание измученного зрителя. Все шедевры уже написаны и дышат теми прекрасными эпохами, которыми и диктовались. Якобы коммерции в сфере искусства раньше не было, труд ценился по заслугам, у людей не было проблем со вкусом (при этом насмешки над средневековым искусством являются сейчас сетевым мейнстримом), вообще все было очень красиво (не то что весь этот «кэжуал»), а протестные художники и вовсе никогда не существовали. Всем этим, конечно, приятно искать себе оправдания, но все это неправда.

Современным произведениям искусства не обязательно обладать формой, им даже не обязательно обладать какой-либо идеей, они просто имеют право на существование. Но почему так? Полагаю, все дело в том, что в массовом сознании (не элитарном) «современное искусство» является самостоятельным термином, какой-то загадочной субстанцией, не требующей рассмотрения, не ищущей индивидуальной авторской мысли, не мотивирующей обывателя эволюционировать в зрителя. Каждый отдельный объект мало интересует человека неискушенного, того, кто не владеет секретными критериями, определяющими арт-объект в один из лотов на Сотбисе. Традиционному художнику не раз за жизнь придется услышать, что «современное искусство — для элиты».

После долгих размышлений над источниками и первопричинами повсеместного творческого кризиса пришла пора сформулировать то, что давно вертелось у всех нас на языке. То, что в социальном конструкте мы называем глобализацией, имеет своего рода проекцию на мир искусства. Я бы назвала это синтезированием.

Вот в чем причина тех же лексических противоречий, создавших целую путаницу в понимании современной культуры и ряд проблем, делающих мир слишком тесным для художников всех разновидностей. Вместо того чтобы из «современного искусства» выделить определенное, четкое, устоявшееся наименование, такое как живопись, музыка, балет и так далее, происходит лишь какое-то вечное заигрывание с самостоятельностью. Это, пожалуй, единственный до сих пор однозначно не названный вид искусства. Вот вроде бы оно презентует себя как нечто отдельное, укоренившееся в различных направлениях, причем достаточно ясных, таких как «перформанс», «акционизм», «концептуализм», «стрит-арт» и так далее. Но почему, демонстрируя такую самостоятельность, все это по-прежнему (не один десяток лет) сравнивается с традиционной живописью? Более того, выставляется вместе, пытается ее вытеснить, и из-за своей неактуальности классический художник теряет свое место на рынке продаж. Вполне вероятно, что через век-другой какой-нибудь бедный студент сможет выручить благородную сумму за свое полотно, несмотря на то, что успеет уже не один раз умереть, в то время как превосходящий его современник будет процветать при жизни и позабыт после нее. Звучит вполне абсурдно, не так ли? Казалось бы, четкий раздел должен был наступить с выделением термина «актуальное» искусство, но в большинстве случаев он по-прежнему воспринимается как синоним. Вообще, на мой взгляд, подобные названия рискуют только навредить чему угодно, привязывая то или иное явление ко времени, так как автоматически главную отличительную функцию этого вида искусства несет именно время. По этой причине все остальные качества художественного произведения попросту теряют ценность или являются второстепенными. Вот почему чаще всего обыватель скажет, что современное искусство — халтура, и он его не понимает. Есть подозрение, что все это создавалось нарочно, чтобы медленно присвоить себе территорию классики, к примеру, музеи и художественные галереи. Это может означать будущие амбиции также стать классикой.

У художника любой эпохи есть свои современники, а целый исторический период обретает емкое наименование по истечении многих лет, как было, к примеру, в случае со Средневековьем. Но не стоит брать в пример эпоху, во время которой практически все известные нам сейчас жанры в искусстве отсутствовали, в мировом устройстве существовали множественные тиски, не позволяющие даже помышлять о таких вещах, как объемное изображение фигуры или жанр портрета, не говоря уже о различных изобретениях. При сегодняшнем изобилии возможностей, отсутствии ограничительных страхов и огромном художественном знании прошлых лет грех всем этим не пользоваться. Термины вроде «современный» в языковой картине мира попросту синтезируют в умах людей все, что создается прямо сейчас, лишая произведения искусства шанса на великое будущее.

Источник